nufo nika

quete toque teque

2009-09-03T10:35:00.000-07:00

Esta noche se estrena “quete toque teque” interpretada por Juan Ruy Cosín, Guadalupe Cuevas, Mora Giuliani y Horacio Nin Uría. El vestuario, la escenografía y la iluminación están a cargo de Romina Cariola; cuenta con la supervisión dramatúrgica de Marcelo Bertuccio y la asistencia de dirección de Ignacio Santillana.

Sinopsis: En un banco de plaza dos adolescentes se besan, se tocan y los sentidos los llevan a descubrir un juego, el “toqueteque”. Para algunos consiste en cortarse para sentir el ardor, el calor y mejor aun el refresco de la chupada del otro sobre la herida. Pero para otros, cortarse no es un juego sino el riesgo de perder sangre, sentir dolor o dejar de existir.

Teatro Gargantúa, Jorge Newbery 3563 - Chacarita

Funciones: jueves a las 21hrs.

Entrada: general $25, con desc. $20

Reservas: 4555-5596

La obra “quete toque teque” que obtuvo la única mención en el concurso “Primera obra”, distinción otorgada por Argentores y el Inst. Nacional del Teatro.

Sonidos de otros mundos

2009-08-08T14:19:00.000-07:00

En la década del '20, un inventor ruso patentó el que probablemente sea el primer instrumento "electrónico" de la historia: el theremin. Como el ondes martenot, que se completó con una especie de teclado y controles del timbre, son instrumentos que muchos músicos utilizaron para piezas de música contemporánea y para lograr efectos, pero que son considerados "rarezas" y se escuchan bastante poco.

El theremin es un instrumento que funciona por ondas eléctricas sin que el ejecutante lo toque directamente, simplemente se alejan o acercan las manos a sus dos antenas; una sirve para controlar el volumen y la otra para controlar la altura del sonido.

La gran virtuosa del theremin fue Clara Rockmore, que desarrolló un sistema de digitación especial y logró un control increíble del instrumento, seguramente gracias a su formación como violinista. En las interpretaciones de Clara el theremin puede parecerse a una voz cantando o un instrumento de cuerda, pero siempre consigue un sonido expresivo que confunde por su cualidad humana sin dejar de parecer de otra galaxia.

A algunos les parece una pavada, un invento pasado de moda superado por sintetizadores y demás opciones para imitar sonidos en instrumentos modernos que ofrecen mayor control; a mí la señora me encanta, y me gusta además que se haya dedicado con tanta pasión y seriedad a "las dos antenas". El resultado, en esta muestrita gratis:

"El cisne" de Camille Saint-Saëns

No todos los domingos deprimen

2009-08-03T15:58:00.000-07:00

Anoche estuve en el Festival Urban Art viendo pintar al maravilloso Juan Abba y escuchando a los amigos piedras de El mato a un policia motorizado. Hermosa noche. Dejo postal.

Las afinidades electivas

2009-07-30T09:52:00.001-07:00

No leí la novela de Goethe que tiene este título, pero esa teoría química es una idea que se hizo palpable para mí hace unos años, cuando me dí cuenta de que se puede trazar líneas entre los artistas que más nos impactan, los que más queremos, los que sentimos más cercanos. Como un dibujo por números, fui sin darme cuenta en aquel momento saltando de uno en otro formando vaya a saber qué imagen, pero todos vibrando en la misma frecuencia, integrantes de una misma sensibilidad, aunque cada uno la expresara a su manera.
Con algunos fue a través de Cortázar que pude ver claramente las referencias, con otros fue intuición, y a veces las notas periodísticas que simplifican y agrupan por etiquetas; todos esos elementos giran y unen en torno a un mismo eje a mis artistas preferidos, mientras el círculo sigue incansable expandiéndose incorporando nuevas presencias.
Me lo imagino como un camino de hormigas, primero se ve una, luego otra, y otra, y ya no se puede dejar de verlas, sino que se van descubriendo más y más hasta revelar la procesión completa, y uno se pregunta cómo sólo había visto una cuando a su alrededor había cientos.
A veces esos círculos se superponen, se entrecruzan con círculos ajenos, como los diagramas de Venn. Y es una celebración tener ese momento marginal de encuentro e intercambio.
Me da curiosidad la causa de estas afinidades electivas, que tendrá seguro su base psicológica, genética, social. Pero qué genial ese misterio que hace que podamos sentirnos tan claramente en casa, identificados, con artistas que incluso hablaron otro idioma, vivieron en otro sitio, y hasta en otro tiempo.

Como este blog trata un poco de esto, de ir mostrando y compartiendo gustos, acá uno de los integrantes de mi diagrama de afinidades, el escritor peruano César Vallejo, que vivió entre fines de 1800 y principios de 1900.
Una muestra de su poesía:

POEMA

De todo esto yo soy el único que parte.
De este banco me voy, de mis calzones,
de mi gran situación, de mis acciones,
de mi número hendido parte a parte,
de todo esto yo soy el único que parte.
De los Campos Elíseos o al dar vuelta
la extraña callejuela de la Luna,
mi defunción se va, parte mi cuna,
y, rodeada de gente, sola, suelta,
mi semejanza humana dase vuelta
y despacha sus sombras una a una.
Y me alejo de todo, porque todo
se queda para hacer la coartada:
mi zapato, su ojal, también su lodo
y hasta el doblez del codo
de mi propia camisa abotonada.

Ustedes, cuáles son sus líneas de afinidades electivas?

Mis ojos (tus ojos)

2009-07-29T15:28:00.000-07:00

Esta va a ir de fotógrafos: por un lado Nan Goldin, yanqui, retratista del punk, del submundo, de la droga, el sexo y la violencia de género, de la soledad y la angustia. Por otro, Alberto García-Alix, español, retratista de la movida madrileña de los '80, de los tatuajes, la calle, la noche, las motos y los personajes que se encuentra en el medio de todo eso, principalmente en blanco y negro.

Los dos me gustan, porque la fotografía "testimonial" de este tipo tiene algo especial, una crudeza, una sensibilidad particular. A ella la conozco más por su obra, a él lo vi hablar en la tele y me pareció un tipo interesante, apasionado y con gran encanto, un personaje en sí mismo.

Véanlos, y si les dan curiosidad y salen a buscar más, misión cumplida.

Alberto García-Alix

Nan Goldin

Cat pobre. Cat vaga. Cat power

2009-07-16T08:00:00.000-07:00

Esta noche se presenta Cat Power en el Gran Rex y no voy porque soy pobre y si fuera millonaria no iría porque soy vaga.

Tito Greco, para los amigos

2009-07-14T21:47:00.000-07:00

Cuando era chica, mi mamá me contó sus recuerdos de los "vivo-ditos" de este artista, idea que me encantó; me causó una gran impresión cuando por fin pude ver la imagen de la descripción de mi mamá en una Inrockuptibles muchos años después.

Ahora que miro al mundo con extrañeza pero con gran ternura y busco certeza en la poesía me parece todavía más genial y más sensible esa idea de convertir a alguien que pasa en arte, o quizá simplemente confirmar que todos podemos ser nuestras propias obras artísticas, si nos lo permitimos, si en lugar de quedarnos de pie rodeados de tiza se la robamos al artista y salimos corriendo a jugar a la rayuela.

Esta es la foto de Greco que estaba en la revista (y todavía conservo entre mis recortes):

Acá abajo, un muy breve resumen de su biografía:

Alberto Greco (Buenos Aires, 1931 - Barcelona, 1965) es uno de esos pocos artistas que nos dio el siglo XX y a los que podemos denominar como tales sin tener, ni por un momento, que plantearnos la veracidad de la afirmación. Alberto Greco fue un artista. Con mayúsculas. De pies a cabeza. Las veinticuatro horas del día. Todos los días del año. Respiraba arte por los poros de su piel y, ya en los últimos años de su vida, su propia existencia era arte. Incluso el propio acto de su muerte voluntaria la convirtió Greco en un gesto artístico al escribir la palabra "Fin" en la palma de su mano mientras la sobredosis de barbitúricos que había consumido comenzaba a hacer su efecto.

Lúcido y provocador, crea el arte Vivo-Dito, actividad artística que consiste simplemente en señalar o definir a una persona u objeto como obra de arte. Greco utiliza las tesis duchampianas y las adapta a su particular personalidad. Parece importarle más el hecho mismo de realizar la obra, el momento exacto de su concepción, que la obra en sí misma. Un trozo de tiza o un cartel escrito a última hora con una caligrafía horrible, son las únicas armas del artista. Y, por supuesto, él mismo, convertido para siempre en maestro de ceremonias de sus acciones artísticas.

Realiza Vivo-Ditos, además de en París, en Roma, en Madrid y, sobre todo, en Piedralaves (Ávila), donde convierte a una comunidad rural y atrasada, en una obra de absoluta vanguardia. Greco hace sostener a los habitantes del pueblo carteles con leyendas tales como "Esto es un Alberto Greco", "Obra de arte señalada por Alberto Greco" o, simplemente "Alberto Greco". Es obsesiva la costumbre del artista por utilizar su propio nombre. La firma en Greco adquiere rango de obra. No busca la notoriedad en el acto de firmar. Greco, el artista Greco, simplemente señala y convierte, de esta manera, la cotidianeidad en obra de arte, en situación sublime, en gesto poético.
Unos pocos meses antes de su muerte, escribe la novela "Besos brujos". Esta obra, de 130 páginas, es la culminación de su obsesión por fundir literatura y artes plásticas. El manuscrito es una obra de arte en sí misma, plagada toda ella de dibujos, grafías y anotaciones del propio Greco. Poco después, se suicida en la ciudad de Barcelona. Es un acto premeditado. Dice a sus más allegados que se va a Barcelona a suicidarse. Así lo hace. Y no lo duda dos veces, no podría ser de otra manera. Convierte su muerte en un acto artístico más. Como si de una de sus novelas se tratase, como ya lo solía haber realizado en el ángulo inferior derecho de alguno de sus cuadros, escribió la palabra "Fin" en la palma de la mano y continuó escribiendo hasta morir.

Summertime

2009-07-13T22:49:00.000-07:00

Summertime

And the livin’ is easy

Fish are jumpin’

And the cotton is high

Oh your daddy’s rich

And your mamma is good lookin’

So hush little baby

Don’t you cry

One of these mornings

You’re goin’ to rise up singin'

Then you’ll spread your wings

And you’ll take the sky

But till' that mornin'

There’s a nothin’ can harm you

With daddy and mammy

Standin’ by

Cuatro versiones de un mismo verano. Falta una, la completas vos?

No es Constitución! (por ahora)

2009-06-20T18:39:00.000-07:00

Cuando ibamos al colegio siempre pensé que esto iba a pasar en la Sol pero sucedió en Bélgica.

Recomendación

2009-06-17T00:53:00.000-07:00

Anoche leí un cuento hermoso de Silvina Ocampo llamado Autobiografía de Irene donde se expresa la idea de que la imaginación puede constituir un saber anticipado del futuro.

Para los que no lo leyeron y les interesa del dejo un link donde se lo pueden bajar (ssshhhh!!)

http://lakbzuhela.blogspot.com/2009/01/silvina-ocampo-descarga-sus-libros.html

De nada sirve escaparse de uno mismo

2009-06-05T15:31:00.000-07:00

Escuché esta canción una sola vez, cuando tenía 16 años. La pasaron en tarde negra, y me sorprendió porque para mí hasta ese momento Moris era el del oso, canción que siempre me pareció un embole atómico. Pero ese día, recuerdo que tenía que salir apurada porque estaba llegando tarde, y no me podía despegar del parlante, y la canción era larguísima...

Tengo muchas ganas de ir a un acuario

2009-06-04T05:03:00.000-07:00

Andrés Caicedo, el perseguidor

2009-05-31T04:43:00.000-07:00

Cinéfilo perdido, grafómano incurable, el escritor colombiano que se quitó la vida en 1977, a los 25 años, encuentra sus lectores tres décadas después. En Mi cuerpo es una celda (Norma), Alberto Fuguet montó una singular "autobiografía" del autor

Por Héctor M. Guyot De la Redacción de LA NACION
Se sabe: cuando crecemos perdemos la inocencia. No es raro entonces que un halo de autenticidad envuelva a los artistas que mueren jóvenes, sobre todo cuando han renunciado a la existencia por mano propia, en un gesto de capitulación o de desafío al mundo y a la edad adulta. A más de tres décadas de su muerte, ocurrida en 1977 a sus 25 años, luego de ingerir 60 pastillas de seconal, el colombiano Andrés Caicedo irrumpe póstumamente en el mapa de la literatura latinoamericana, bendecido por una suerte de síndrome Kurt Cobain para alterar, de algún modo, el paisaje conocido.
Sin embargo, más que su muerte lo que importa es su vida. No sólo por la configuración de un mito que en los últimos años desbordó las fronteras de Colombia, sino porque los más interesantes escritos de este grafómano incurable -sus diarios, sus cartas y sus notas sobre cine- trazan un afiebrado ejercicio de exploración de las emociones y los desgarramientos que le producía su complicado comercio con el mundo.
"Lo principal en Caicedo es Caicedo mismo", confirma el escritor chileno Alberto Fuguet, responsable "del montaje y la dirección" de Mi cuerpo es una celda (Norma), una autobiografía del escritor colombiano armada con cartas, textos inéditos y fragmentos dispersos que tiene una doble virtud: permite leer la vida urgente de Caicedo como una novela al tiempo que descubre a un escritor en su mejor forma. De paso, el libro ajusta la idea de Caicedo que acompañó la llegada de su obra de ficción, sobre todo de su novela ¡Que viva la música! : la imagen de un hippie desenfrenado que se bebió sus días de un trago da paso a la de una persona tímida que luchaba contra la tartamudez y que escondía un atroz temor a la vida. Y finalmente descubre una sensibilidad muy lejana al espíritu del boom -en pleno auge por aquellos días-, que parece dialogar mejor con la cultura de este tiempo.
Para Fuguet, que en los años 90 logró imponer la idea de que había en América latina una generación de escritores urbanos, realistas y sobre todo ajenos al realismo mágico (que él mismo se encargó de reunir en la antología McOndo ), el libro fue una especie de ajuste de cuentas. "En Caicedo encontré una prueba irrefutable de que aquí existía un realismo urbano mucho antes de que yo naciera -dice-. McOndo no era un invento mío contra García Márquez." Cuando en una librería de Lima dio por casualidad con un libro de Caicedo (un volumen póstumo que reunía sus escritos sobre cine), hace unos siete años, Fuguet sospechó inmediatamente que una extraña conspiración había mantenido al colombiano en el más absoluto secreto. ¿Quién le había escondido a este escritor que sentía como un hermano mayor no sólo suyo, sino también de varios autores contemporáneos que seguramente nunca lo habían leído?

[...]
"Es el Catcher in the Rye de Cali", dice Fabián Casas en el prólogo de esta novela. Es posible. Caicedo es salingeriano en su celebración de la adolescencia y en su horror hacia el mundo de los adultos. De todos modos, el abandono y la indolente deriva del personaje, con un ligero aliento trágico soplándole en la nuca, remite también a El hermoso verano de Cesare Pavese, autor de una angustia vital análoga a la de Caicedo. Claro que en lugar de la bohemia artística europea de mediados del siglo pasado, la novela del colombiano nos instala en una ciudad de la furia (Cali, por supuesto) y en la psicodelia de los primeros años 70, con rock y salsa como banda de sonido.
¡Que viva la música! fue el único libro que Caicedo publicó en vida, si no contamos un volumen cuya edición pagó su madre. Lo recibió de la editorial por correo el 4 de marzo de 1977 (como él mismo consigna en una carta), horas antes de ensayar su tercer y definitivo intento de suicidio, que dio término a la caída que su ánimo y su vida experimentaron tras la vuelta de su accidentado viaje a Los Ángeles.
¿Por qué regresa ahora un escritor y cinéfilo que se negó a crecer, lector voraz (Poe, Lovecraft y Vargas Llosa se encontraban entre sus entusiasmos), dueño de una antena sensible que le permitió estar al día con lo mejor del cine de autor y de clase B y buena parte del rock que sonaba entonces? Quizá es como dice Fuguet: Caicedo se equivocó de época.
El desasosiego que lo habitaba es viejo como el mundo, y la forma en que consumió su vida en apenas 25 años lo inscribe en la galería de los muchos artistas que han muerto jóvenes en medio de su lucha contra el demonio, como diría Zweig. Pero aquello que en su momento lo alejaba de las corrientes literarias en boga para conectarlo con el malestar juvenil no del todo articulado que latía en el hippismo y el Mayo Francés es precisamente lo que lo acerca a los jóvenes que hoy andan con un libro suyo bajo el brazo en distintos países latinoamericanos. Inclusive en la Argentina, como pudo verse durante el último Bafici, en la proyección del documental que Luis Ospina le dedicó, y en la presentación del libro que editó/montó Fuguet. El culto a la imagen y el cine, la figura del escritor impuro (aquel que no sólo escribe), la inadaptación al medio y la lógica de zapping que Caicedo empleaba para pasar de un proyecto a otro sin acabar de dar forma a ninguno lo acercan a estos tiempos en que la idea de la gran obra ha dado paso a modos de producción que responden a la inmediatez, la ligereza y lo fragmentario. Incluso su prosa urgente y desprolija (la de sus textos de ficción) resuena en simpatía con el espíritu de nuestros días.
"Yo ubicaría a Caicedo dentro de lo que llamo segunda fila de la literatura latinoamericana, que termina siendo la primera, porque el mundo ya no necesita a gigantes como Fuentes o García Márquez -arriesga Fuguet-. Lo ubico junto a escritores como Cabrera Infante y Puig, que han tenido mucha influencia en autores actuales. En algún sentido es también como Bolaño. La idea de un autor que tiene nacionalidad pero al mismo tiempo no la tiene. Andrés no es sólo colombiano: habla de Bergman y de Hollywood. Es uno de los primeros que no tuvo nacionalidad."
¿Es posible imaginar un Caicedo mayor y maduro? Fuguet no lo cree. A medida que se avanza en la lectura del libro, y a pesar de conocer el final obviamente anticipado en la solapa, uno sospecha que lo único que podría haber salvado a Caicedo era el amor que le despertó Patricia Restrepo, entonces integrante del comité de redacción de Ojo al cine y su compañera en los últimos años de su vida. En la carta que le escribió el 4 de marzo de 1977, el día en que recibió su primer libro publicado, el día en que ingirió las 60 pastillas de seconal, su último día, llama a Patricia "mi amor único, mi vida entera, mi redención y mi agonía". Atravesaban un momento inestable en una relación inestable, y la misiva arranca con cierta gravedad: "Con el horror y la expectativa de que esta sea la última carta correspondiente al último día de vivienda juntos [...]". Pero en medio de un escrito en el que le ofrece su corazón en carne viva horas antes de quitarse la vida, hay espacio para asuntos bien concretos: "Mi mamá me dijo (¡ay, qué lío!) que hoy por la tarde nos traían la nevera."

Sí, era necesario

2009-05-18T18:05:00.000-07:00

Exhibir la camisa ensangrentada de Lennon es un acto romántico y contundente. Clama que el animal que lo mató no logró matarlo del todo. Por Fernando Peña.

08:53 | Por Fernando Peña 18.05.2009

En la sección “El cielo y el infierno” del cuerpo de espectáculos del diario Clarín de ayer uno de los tantos colaboradores opina que (sic) “Yoko Ono echó mano a viejos placares y armó una muestra sobre John. Expone hasta la camisa ensangrentada del día que lo mataron. ¿Era necesario?”, remata. El arte no es una receta de cocina, en donde pueden sobrar o ser necesarios los ingredientes.

¿Cómo puede ser que un periodista de espectáculos no sepa o no distinga lo que es una muestra o una exposición montada por un artista y lo que es ventilar las pertenencias de alguien a modo de programa de chimentos? Exhibir la camisa ensangrentada de John Lennon es un acto romántico, y contundente que marca y remarca el estado vivo de Lennon, clama que el animal que lo mató no logró matarlo del todo. Ese tipo de lenguaje, esa forma de manifestarse, la de Ono, es indiscutiblemente ácida y neta. Ono define a través de la camisa con sangre el horror de la matanza, la maldad mezclada con el amor deforme de Chapman.

Las formas del arte son simples, es el que no está listo y preparado para sentirlo y mirarlo el que las complica.

Claro que es necesario que Ono muestre no sólo la camisa ensangrentada de Lennon sino todo lo que tenga a mano y en su poder. Ono debe mostrar. Aclara, sana y cura que Ono muestre y exponga. No estamos hablando de colgar una camisa con sangre en el tender de una casa, no son trapitos al sol, no es el calzón sucio de la doña de enfrente que se ve de nuestro balcón. Estamos hablando de una instalación, que por definición es algo puesto adrede, con un objetivo. Cuando en el circuito del arte se optó por usar la palabra instalación se lo hizo porque no se trata de una escultura, pintura o algo conocido. Se necesitó definir un nuevo movimiento. La instalación establece, se coloca o se asienta para significar algo, decir una idea. Una instalación está al servicio de la sociedad, cumple una misión, la de movilizar, molestar, concienciar, sensibilizar.

Años atrás fue víctima de esa misma torpeza e insensibilidad León Ferrari, cuando en plena Recoleta rompieron las vidrieras donde se exhibía un avión de guerra puesto en una cruz. Más allá de querer faltarle el respeto a la imagen del Cristo crucificado por qué no pensar que lo que Ferrari quiso expresar fue su condena de muerte a la guerra, sus ganas de paz por fin. Es por eso que los artistas toman las últimas alternativas, esas que quedaron sin usar por el resto, para imprimir su idea.

El arte no siempre elige un lenguaje vertical o preconcebido. Una instalación, manifestación, obra de arte o como se la quiera llamar no es un accidente por lo tanto la mirada hacia tal expresión no debe ser obvia, condescendiente y tolerante. Hay que trabajar con el arte, no se lo puede juzgar o digerir como quien mira u observa un acto de torpeza. No es lo mismo que alguien vuelque una taza de café de repente en una mesa que ver la taza ya volcada en el contexto de un entorno artístico. El primer incidente es incómodo y hasta agresivo por lo imprevisto, el segundo está planeado, deliberado y es producto de una construcción intelectual que nace de la elucubración.

Hace semanas una jueza prohibió en París la exposición Bodies, un recorrido proyectado para enseñarnos cómo somos y de qué estamos hechos. Fui a ver Bodies cuando estuvo en Buenos Aires y aprendí más en ese recorrido de hora y media que en cinco años de anatomía.

Últimamente, a pesar de la democratización, la internet, la globalización y la modernidad parece que algunos están molestos y escandalizados por tonterías. ¿Estará de moda o es ignorancia?

El asombro exagerado y timorato existe y late a pesar de lo extrovertidos que creemos ser. Es el miedo a que el otro no tenga miedo, es el pudor por la falta de pudor del otro, es querer darle protección al que está cómodo desprotegido. Es, finalmente, la contraparte creada por el débil que cree que su misión es la de otorgar algún tipo de equilibrio, una nivelación para que los valores se establezcan y se aplomen parejos sin perturbar.

El no tomar un camino paralelo, el no invocar nuevas maneras de mirar y observar aquello que se deja mirar y observar lleva a la interpretación dormida, preconcebida y desganada.

La interpretación superficial de la muestra de Ono como si fuese una receta de cocina, preguntándose si era necesario esto o lo otro, es casi la razón por la cual el asombro por sí sólo y por reflejo está últimamente de moda reclutando pacatos y zonzos que reducen al arte a una ecuación o una receta.

2009-05-13T10:08:00.000-07:00

Casares, Andalucía, Mayo de 2009

Al ir avanzando, nunca estoy muy seguro de qué esperar, y para combatir la incertidumbre desarrollé la técnica de no concentrarme demasiado en el detalle, y en vez de eso, simplemente mantener una visión optimista de lo que está por venir. Los pensamientos positivos e indefinidos, parece ser, traen las mejores recompensas. Ciertamente lo hicieron esta vez.

Hicimos nuestro camino ascendiente a través de Casares, un típico pueblo andalúz de blanco resplandeciente, que desde la distancia parece como si hubiera sido esparcido, como sal, en las cumbres. Después de unos minutos más subiendo por un sendero, ya estaba en casa para el verano.

Es el lugar en el que estaré viviendo de lo que quiero hablar. Ubicado entre bosques y flores silvestres, los naranjos salen a mi encuentro en mi puerta y los caminos estan decorados por piñones. A cada lado laderas de montañas rocosas que extienden la vista hacia la costa española y el Peñón de Gibraltar. En la distancia, mientras tanto, un casi imperceptible risco marroquí se funde con las nubes.

La estructura tiene marcos de madera con paredes hechas de adobe y yeso, y un techo de paja, y estos materiales parecen hacer que la casa sea semi-permeable. En el interior es cómoda y cálida, y aun así la barrera que forma es suave sin ser invasiva. Una sensación de armonía sopla delicadamente a través de los viejos pinos y envuelve la casa, afirmando que, en el gran esquema de cosas, todo es como debería ser.

Hoy llamé a mi abuela para decirle dónde estoy, y me contó con entusiasmo y un trazo de emoción en su voz que Casares es el lugar donde su padre había nacido.

Joe Rodriguez
www.joerodriguez.co.uk

Feliz cumple Piru!!!!!!!

2009-05-12T10:46:00.000-07:00

Naaaaa naanaa nanana naaaaa.....

2009-05-06T18:44:00.000-07:00

Casi no pude terminar de ver el video que pongo a continuación porque no podía parar de llorar. Es parte de una campaña publicitaria, pero no importa.

Vivir con alegría, intentando sacarse los prejuicios, disfrutando y compartiendo vivencias, también es arte.
Y más aún: es la máxima expresión artística (saludos al tío Lynch!).

Enjoy!

La música es algo maravilloso, una flecha que irrumpe en la realidad inyectando magia, emociones y poesía instantáneamente.

No hay banda

2009-05-04T21:39:00.000-07:00

Si bien Mulholand Drive no es la mejor película de David Lynch esta escena se lleva todos mis aplausos.

NO HAY BANDA

Go-Neko!

2009-04-30T07:49:00.000-07:00

El viernes pasado fui a un ciclo que organiza el gobierno de la ciudad que se llama Ciclo nuevo! que esta destinado a la presentación de bandas independientes. Este ciclo se realiza en el Complejo Cultural 25 de Mayo parece ser que antes este lugar era un cine pero tiene toda la estética de un teatro, con palcos y un enorme escenario.
La cita empezaba a las 21hs. un horario en el que, para los que somos de la generación pasada, se nos hace difícil rockanrolear. El antiguo cine, hermoso pero prohibido cigarrillos y alcohol. Cada uno en su butaca esperó que suene la primer banda GO-NEKO!. Nunca había escuchado de ella y al tercer tema pensé que el cantante había faltado quizás por dengue o gripe porcina pero no, nunca existió cantante en Go-Neko!. Una banda instrumental en rock? Si, es muy raro pero acá estaban. Haciendo una música espectacular con una prolijidad pocas veces vista en el under. No hay duda que estos chicos son unos enfermitos del sonido pero yo me enfermé con ellos, en especial cuando había tres personas tocando la bateria. Esta banda difícilmente llegue a popularizarse pero me gusta saber que todavía hay gente que busca cosas nuevas y toma riesgos.

Aca les dejo un videito

Si a alguien le interesa el MySpace es http://www.myspace.com/goneko

Poema

2009-04-27T19:02:00.000-07:00

rocamadour
es la última luz
de la madrugada,
la primera del alba.
alas de mariposa
mojadas, rosas secas,
un gato de cementerio.

rocamadour,
un susurro,
una plegaria insomne,
una canción de cuna
bajo la nieve.

Pirula

Agenda

2009-04-24T16:36:00.000-07:00

Siguiendo con el tema

2009-04-24T07:21:00.000-07:00

Rapidito y al pie. Hedwig nació en medio de una ciudad, Berlín, partida en dos. Su cuerpo también quedó dividido o debatiéndose entre polos opuestos. Por eso, ese niñito que vivía en una mínima casa se terminó convirtiendo en una mujer por iniciativa de un apuesto soldado norteamericano que se enamoró de ella, que después se dio cuenta de que ella era él, y que -entonces- le propuso una operación para cambiar de sexo. Claro que algo salió mal y quedó ahí, en donde usted imagina, unos molestos 2,54 centímetros.
En esta breve síntesis podría estar la clave para entender el título de Hedwig and the Angry Inch . (o, en nuestra lengua, Hedwig y su molesta pulgada ). Esta fantástica obra de teatro estrenada en el circuito off de Broadway en 1997, es la misma que se trasladó al cine en una brillante versión que pasó por el Malba, en 2002, y es la misma (ojalá) que se estrena hoy en el Roxy Live en manos (y pelucas, y medias can can, y bocas furiosamente pintadas, y tocados estridentes, y mucho glam, y mucha atmósfera trash, y mucho punk, y mucho rock and roll); decíamos, es la misma que estará en manos de Germán Tripel y Florencia Otero y la dirección de Martín Alomar y Angeles Porteau y la dirección musical de Gaby Goldman.
La historia fue creada por John Cameron Mitchell (productor ejecutivo de la película Tarnation y director de Shortbus ). El chico es una especie de talento en bruto con mucho de Hedwig. La obra, al poco tiempo de su estreno en un teatrito de Manhattan, se transformó en un objeto de culto que cosechó fanáticos de peso como el mismo señor Lou Reed, David Bowie (los dos aparecen mencionados por la filosa Hedwig), Pete Townshend y todo la fauna del rock, el mundo drag, el barrio gay (que encontró en Hedwig a un referente más contracultural que imitar a Madonna) y hasta sumó a los militantes de las comedias musicales. Para muchos de ellos, esta historia sobre la ambigüedad sexual con aires del glam-rock de los 70 les hizo recordar a The Rocky Horror Picture Show.
Ahora, las cartas están jugadas. Tripel tuvo que adelgazar, aprender a andar en tacones lejanos y -seguramente- se habrá tenido que depilar. Ella deberá hacer de una mujer convertida en hombre. El desafío es mayúsculo. Hedwig merece el esfuerzo.

La santísima trinidad

2009-04-23T11:59:00.000-07:00

El Padre, el Hijo, y el Espíritu Santo versión herética, es decir, Lou Reed, Iggy Pop y David Bowie.
Exijo que vuelvan los 70's ya!!

Liliana Porter

2009-04-22T18:56:00.001-07:00

No sé mucho de la obra de esta artista, pero me gustan sus piezas con miniaturitas, que vi en un artículo de Radar hace mil años y cada tanto me vuelven a la cabeza.
Su biografía dice que nació en Buenos Aires en 1941 y vive en New York desde el '64, donde empezó haciendo grabados, serigrafías y fotograbados.
Dice Liliana:
“Estas situaciones, estos diálogos, estas mínimas puestas en escena, me ayudan a intuir la estructura de lo que llamamos realidad.
“Los temas que me preocupan son: la relación entre las cosas y el que las ve; la conciencia de que toda percepción es una relectura; el tema de las ‘certezas’ y las ‘equivocaciones’; el de las correcciones arbitrarias que hacemos para entender y el humor que estas reflexiones generan. Una misma cosa nombrada mil veces, en distintos idiomas, es un ejemplo concreto de esas cuestiones que mueven mi pensamiento: la transformación de la cosa al ser nombrada. El tema fascinante de la representación.”

A mí las piecitas me dan sensación de cuento, de historia, como si uno fuera testigo de algo que está por pasar.

creo que si miráramos siempre al cielo, acabaríamos por tener alas, dijo un tal flaubert

2009-04-22T07:57:00.000-07:00

Anoche fue la segunda expedición -no oficial- de los perseguidores; nos olvidamos la cámara, así que esta vez tendrán que usar la imaginación. La cita fue en el Bar Libario, como les habíamos contado en la agenda, donde el tercer martes de cada mes se puede ver un ciclo de música y poesía.

Estamos en condiciones de decir que fue una gran noche de martes. Variedad de estilos (tanto de música como de poesía), buen ambiente, calidez. La versión relajada de lo que podría haberse convertido tranquilamente en una velada palermitana pretenciosa y cool, pero no hubo decepciones, se mantuvo la naturalidad. A esa parte del barrio le tendrían que poner "Palermo Hauténtico".

Nos gustó escuchar a todos los poetas, en particular destacamos dos, Lucas Balducci e Ignacio Santillana, que es también uno de los perseguidores y la gran revelación de la noche, con poemas que transmitían urgencia y cruda honestidad. Esperamos tener novedades pronto así ustedes también pueden leerlo o escucharlo, los tendremos al tanto.
Dentro de la parte musical, nos encantó Diegomartez, con su set que incluía guitarra y cajita de música, y hasta final impromptu cantando sentado sin micrófono arriba de una mesa.
Si a esa altura alguien se estaba poniendo solemne, ese gesto nos recordó por qué estábamos ahí, y combinado con las lecturas y la buena onda del lugar, bueno, el veredicto es que fue un martes definitivamente inspirador.

El cierre fue una cerveza con Pirucha y torbellino de ideas y ganas, pero eso es otra historia. Si les da curiosidad, súmense al club, son más que bienvenidos.

Acá, para muestra, video de diegomartez:

burbuja

Agenda

2009-04-20T11:45:00.000-07:00

Estas todos invitados al ciclo de poesía y música Ah Um! el martes a las 21 hs. en Libario (Julián Alvarez 1315). El bar esta muy bueno y la gente que se presenta es muy copada asi que los espero a tomar algo conmigo escuchando unas buenas poesías.

Ciudanza

2009-04-17T04:17:00.000-07:00

Ciudanza es un innovador programa que tiene como objetivo producir un cambio trascendente en el modo de generar acciones creadoras de gran valor en el patrimonio paisajístico y arquitectónico de nuestra Ciudad. Este evento se suma al circuito “Ciudades que danzan” existente en Europa y América, en lugares tales como Barcelona, Lisboa, Dro-Trento, Bologna, Londres y La Habana, entre otros.
En esta oportunidad se ofrecen como escenarios para las distintas presentaciones el Parque Centenario, Parque Mujeres Argentinas y el Parque Tres de Febrero. Cada uno de ellos aporta su propia identidad arquitectónica, ubicación barrial y usos. De esta manera, se revaloriza la utilidad del espacio público a través de actividades culturales.
La idea central de esta segunda edición de Ciudanza es la diversidad, en la que conviven lenguajes urbanos como el hip hop y el tango nuevo, en una programación que incluye los más variados enfoques de acercamiento a la intervención coreográfica en el espacio urbano.
Una propuesta diferente que invita a sorprenderse, disfrutar y redescubrir el espacio público y la danza de una manera distinta.

PROGRAMACIÓN:

El horario de comienzo en el programa de cada sede está referido a la primera obra, ya que la propuesta de
CIUDANZA es compartir un recorrido a través del parque y las intervenciones que los artistas realizarán allí.

Sábado 18 de abril 14hs y Domingo 19 de abril 17hs
Parque Tres de Febrero (Refencia: zona Museo Sívori)
La Arena presenta fragmentos de Kamuflash Direc: Gerardo Hochman
Lazos y Mariposas de Cecilia Troncoso (Nuevo Tang)
37’ Sur de Joel Inzunza Leal (Chile)
Diario de Viaje de Susana Szperling

Sábado 18 de abril 17.00hs. y Domingo 19 de abril 14.00hs.
Parque Centenario del Barrio de Caballito
Urmalambo de Mauro Dann
15 Centímetros por Encima del Suelo de Marina Serrano (España)
Un Poyo Rojo de Nicolás Poggi, Luciano Rosso y Hermes Gaido
HipHop Expression por Maximiliano Gallegos, Maximiliano Ramirez, Marina Ahumada,
Nicolas Ramirez y Marcos Proupin (Jedi) Opera Primo Vil del Grupo Plaimovil

Sábado 18 de Abril, 19hs Museo de Esculturas Luis Perlotti, Pujol 644
MESA REDONDA
La danza y el medio urbano
Encuentro con programadores de festivales que forman parte de la Red Ciudades que danzan
Diálogo con Juan Lopez (España) Fundador de la Red Internacional CQD,
Ciudades que Danzan junto a directores y productores de Chile y Argentina
Moderador Marcelo Issemoyano

Sábado 25 y domingo 26 de abril a las 20hs.
Parque Mujeres Argentinas (Puerto Madero )
Muestra Taller a cargo de Silvina Grimberg
Ocupaciones Breves de Juan Onofri Barbato
Amanecer Moscovita de Pablo Lugones
Peldaño y 3 de Ramiro Soñez
Zona Abierta de Diana Szeinblum

Dirección artística y curaduría: Brenda Angiel
Producción General: Silvia Gómez Giusto

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

La Lampe

2009-04-17T02:40:00.001-07:00

"Siempre estoy haciendo cosas que no puedo hacer,así es como logro hacerlas."

Pablo Picasso

Agenda

2009-04-17T02:31:00.000-07:00

YouTube Symphony Orchestra

2009-04-16T09:05:00.000-07:00

Ayer en Nueva York se juntaron los 90 músicos de más de 30 países que componen la primera orquesta sinfónica que se ha formado a través de Internet. La orquesta la ha dirigido el prestigioso Michael Tilson Thomas, director también de la Sinfónica de San Francisco.

Fiesta

2009-04-16T06:38:00.000-07:00

Agenda

2009-04-14T05:40:00.000-07:00

Si encuentra algo más lindo, le devuelvo el importe

2009-04-13T16:53:00.000-07:00

Para tocar así hay que tener manos extra, no me jodan. Alguien que me diga por favor qué come Barenboim, y mañana cambio la dieta a primera hora.
Y si me consiguen las recetas de Beethoven...buéh, llévense la casa, el gato, todo!!

Estoy despierta en el lugar donde las mujeres mueren (Jenny Holzer)

2009-04-13T14:59:00.000-07:00

Jenny Holzer es una artista conceptual nacida en Estados Unidos en el año 1950. Después de mudarse a New York empezó a trabajar con textos, su obra más popular son los truismos, o aforismos, que proyecta, emite o imprime en posters, edificios públicos, carteles de neón y hasta bancos de museos.

Me atrae mucho el uso de la palabra escrita fuera de los espacios habituales, fuera del papel o las publicaciones, y lo que me gusta de la obra de esta artista es que además del valor estético que tienen sus instalaciones, al mismo tiempo el espectador lee mensajes que son a veces poéticos, melancólicos, otras políticos, o shockeantes, y el contraste de recibir esas palabras fuertes en un contexto como la calle, o el frente de un edificio hace que el efecto que producen sea todavía más fuerte.

Acá van algunos ejemplos: proyección en Leipzig, proyección sobre la biblioteca pública de New York, cartel luminoso (Protect me from what I want: Protegeme de lo que quiero - dato extra, también un estribillo de la banda Placebo- ), exposición, y un banco del Guggenheim.

("...debemos admitir que habrá música a pesar de todo..")

("Protégeme de lo que quiero")

("Saboreá la amabilidad porque la crueldad siempre es posible después")

Jazz

2009-04-11T06:42:00.000-07:00

Ahora que Pituto comienza una relación amorosa con la trompeta he decidido acercarme al jazz asi que aca comparto un resumen de wikipedia(tesacocadaduda).com de los estilos de jazz y después hay unos videitos copados: So What un clásico de Miles Davis (sin sordina) junto a John Coltrane y el otro es de una banda polaca media loca que improvisan sobre la base de la batería, esta banda se llama Pink Freud, alguien los describió así:"El encuentro entre lo cerebral y lo pasional, lo desmedido y lo planificado, es el mismo resultado que hay entre Pink Floyd y Sigmond Freud. Esta extraña mezcla es la que ha dado origen a un grupo de músicos polacos llamados Pink Freud", el video es muy neopunk.

Se puede definir al Acid Jazz como un estilo de fusión que viene a conjugar sonidos de procedencia de funk, soul y jazz a lo que cabe añadir las peculiaridades que cada artista aporta a su obra, lo que abre un espectro de influencias bastante amplio, que va desde los ritmos latinos hasta otros de marcada tendencia hio-hop, house o electrónica. La explosión del Acid Jazz y su popularización habremos de contemplarla a principio de los 90, con la aparición o popularización de bandas como Stereo Mc's, Galliano, Brand New Heavies, Jamiroquai, Incognito o Los Amigos invisibles.
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El bebop es un estilo musical del jazz que se desarrolla en la década de los cuarenta del siglo XX; cronológicamente sucede al swing y precede al cool o West coast jazz. Sus iniciadores fueron Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach y Thelonious Monk. El Bop presenta una serie de características que, en su momento, fueron muy innovadoras:a) Individualización de la sección rítmica, con un resultado de aparente caotización, rompiendo la continuidad de pulsación propia del Swing. Se trata de una clara influencia de los ritmos afrocubanos, en forma de falsa polirritmia. La pulsación básica se interioriza y los instrumentos rítmicos, como la batería, se independizan de ella y asumen papeles melódicos.b) Abandono total del fraseo hot y de la sonoridad vocal de los instrumentos, llevando más allá la búsqueda de sonidos afinados al estilo europeo, ya iniciada por el Swing, con una estética nerviosa, cortante y fria. El fraseo, sobretodo en los primeros tiempos, es rápido, en corcheas y semicorcheas, usualmente con predominio de los registros agudos de los instrumentos.c) Utilización de tempos muy rápidos, incluso en las baladas, con frecuente utilización de figuras rítmicas antillanas.d) Predominio de los solos individuales, improvisados sobre partes corales, breves y estructuradas en forma de riffs. Esto supone un claro declive del concepto melódico propio del Swing y su sustitución por un concepto armónico, desconocido hasta entonces en el jazz.e) Búsqueda consciente de una negritud, a veces forzada, en la elección de temas, ritmos y sonidos, cuando no en la propia filosofía.
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El cool es un género musical del jazz que se desarrolla durante la década de 1950; cronológicamente, sigue al bebop y precede al hard bop. El bebop empezó a estancarse a comienzos de los años cincuenta. Una de sus estrellas, Miles Davis, empezó a intentar crear sonidos nuevos. Se alejó del sonido bebop y grabó con un grupo de nueve instrumentos. Ocho de las piezas se editaron en discos de 78 revoluciones y en 1950 se recopilaron en un disco con un título muy significativo: Birth of the cool. La música se alejaba de la improvisación total y de los furiosos ritmos del bebop. Davis desarrolló un estilo más relajado y orquestal. Desnudó al jazz de sus raíces en el blues y lo empujó hacia un sonido que tenía mucho más en común con la música clásica europea. Los críticos dieron a esta música el nombre de cool, o, más específicamente, west coast jazz, porque la mayor parte de los músicos que la interpretaban estaban establecidos en la costa oeste de Estados Unidos. Fueron músicos blancos como Chet Baker, Stan Getz y Gerry Mulligan los que dominaron la escena cool. Todos ellos habían estudiado la música clásica europea. El divorcio al que sometieron al jazz respecto de sus raíces negras llevó a que Miles Davis repudiara más tarde este estilo.
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El free jazz es uno de los estilos o subgéneros propios del jazz. La expresión se utiliza así, en su forma original, aunque la traducción “jazz libre” sugeriría perfectamente el sentido del término.Se incorporan experiencias sonoras y filosóficas de otras músicas del mundo, especialmente de África. Músicos destacados: Ornette Coleman, Pharoah Sanders o Albert Ayler. Casi todos los músicos de jazz, en los años 60, de una u otra forma, se mueven en terrenos relacionados con el free jazz: Muhal Richard Abrams, Jimmy Giuffre, Marion Brown, Sonny Sharrock, Sonny Rollins, Eddie Gomez, Charlie Haden, Gary Peacock, Steve Lacy, Yusef Lateef, Sun Ra, Dollar Brand, Anthony Braxton y un largo etcétera.
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Funky jazz: Funky, adjetivo derivado del sustantivo funk (olor nauseabundo), es la forma en que los músicos negros de jazz de los años 1950 llamaban a un estilo de hacer música sin complicaciones, fuerte y rítmico, lleno de sentimiento, que reflejaba la herencia del blues, el gospel y la tradición africana. Un jazz visceral, con tintes de blues. El principal instigador de esta corriente fue, sin duda, el pienista Horace Silver, aunque rápidamente se convirtió en objeto de moda. El éxito del quinteto de Cannonball Adderley y su hermano Nat y, especialmente, el de Les McCann, marcó el cénit de la comercialización del género, a la vez que, con ello, perdía su sentido primero y extramusical.Otros músicos que se reconocen como parte del funky, con absoluto derecho, son Art Blakey, Bobby Timmons, Junior Mance, Kenny Burrell, Ray Bryant, Wynton Kelly, el organista Jimmy Smith y el cantante Ray Charles. Y, por supuesto, el guitarrista Wes Montgomery.
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El Hard bop es un estilo musical del jazz que se desarrolló desde mediados de la década de los cincuenta hasta mediados de la de los sesenta del siglo XX; cronológicamente, sigue al cool y West coast jazz y precede a las vanguardias jazzísticas (en concreto, al free jazz y jazz modal). Melódica y armónicamente, por tanto, el Hard bop está, bien "bluesificado", con una vuelta a los acordes de seudo-dominante, sobre la tónica y la subdominante, bien "gospelizado", con fórmulas del tipo encadenamiento subdominante-tónica. Estas progresiones simples se encuentran, a menudo, mezcladas con estructuras armónicas típicamente Bebop. Y con fecuencia, los elementos blues y gospel se encuentran integrados en los temas en menor, con un empleo intensivo de la quinta disminuida.La instrumentación sigue los patrones clásicos del Bebop: Quintetos (con trompeta y saxofón) y trios especialmente, aunque, por supuesto, podemos encontrar ejemplos de casi cualquier formación.Las secciones rítmicas son más homogéneas y ligeras que en el Bebop, haciendo un especial hincapié en el rigor del tiempo. Principales representantes del estilo: Los últimos cinco discos que grabó el Miles Davis Quintet para el sello Prestige Records (Miles, Cookin, Relaxin, Workin y Steamin) devolvieron al jazz el blues y la improvisación que el cool había eliminado. Rompieron con este estilo y consiguieron diferenciarse del resto de grupos gracias al estilo disperso e introspectivo de Davis y al vibrante sonido de Coltrane. La prensa los proclamó los salvadores del jazz.Otra asociación musical es fundamental para el desarrollo del hard bop: la del pianista Thelonious Monk con John Coltrane. El sonido que desarrolló Coltrane con la ayuda de Monk fue lo que revolucionó la música jazz: un estilo de interpretación que utilizaba grupos de notas, y no una nota cada vez.
Otros: Cannonball Adderley, Art Blakey, Clifford Brown, Wes Montgomery, Kenny Burrell, Donald Byrd, Paul Chambers, Sony Clark, Lou Donaldson, Kenny Drew, Red Garland, Benny Golson, Dexter Gordon, Johnny Griffin, Joe Henderson, Andrew Hill, Freddier Hubbard, Milt Jackson, Philly Joe Jones, Charles Mingus, Hank Mobley, Lee Morgan. Sonny Rollins, Horace Silver, Stanley Turrentine, Freedie Redd.
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Post-bop es la denominación de un pequeño grupo de músicos de jazz en los comienzos y mediados de la década de 1960. Se sitúa generalmente el comienzo del género en los trabajos de John Coltrane, Miles Davis, Bill Evans, Charles Mingus y especialmente de Herbie Hancock. Generalmente, el término post-bop es utilizado para nombrar a aquellos músicos de jazz que fueron influidos por el hard bop (o bebop), y las vanguardias del free jazz, pero sin ser necesariamente similares ni asimilables con ninguno de los géneros anteriores. La mayor cantidad de producciones del post-bop fueron grabadas en el sello musical Blue Note Records. Los denominados discos fundacionales del post-bop son Speak No Evil de Wayne Shorter; The Real McCoy (álbum) del pianista McCoy Tyner; Maiden Voyage de Herbie Hancock; y Search For the New Land de Lee Morgam. La mayor parte de los músicos enmarcados en el post-bop son también encuadrados en otros géneros, principalmente el hard bop; y en los años de 1970, la gran mayoría de estos artistas mutaron hacia otros estilos como el jazz fusion. En la década de 1980, Wynton Marsalis y Branford Marsalis ensayaron un revivir del género que continúa hasta nuestros días
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Jazz Modal: La música modal es, más que un estilo propiamente dicho, una estructura musical a la hora de interpretar. La música modal desarrolla casi siempre una sutil tensión producida por el hecho de que las líneas del solo, aunque melódicas, no siempre progresan o se resuelven exactamente como el oyente está acostumbrado a oír. Además, cada vez que un nuevo modo se introduce, el centro tonal cambia, lo que implica que el oyente es transportado a un desequilibrio con una sutil impredecibilidad. Miles Davis fue el primer jazzista en improvisar y componer de acuerdo con la estructura modal; su Kind of Blue es el disco de jazz modal típico, y definitivo para muchos, y dos de sus acompañantes en la grabación (John Coltrane y Bill Evans) se convertirían después en innovadores modales. Las libertades de la música modal ayudaron a allanar el camino para la radical experimentación estructural del jazz de vanguardia, que empezaría a tomar forma a partir de los sesenta.Selección discográficaMiles Davis, Kind of Blue, Columbia/Legacy, 1959.John Coltrane, My Favorite Things, Atlantic, 1960.Bill Evans Trio, Sunday at the Village Vanguard, Riverside/OJC, 1961.Herbie Hancock, Empyrean Isles, Blue Note, 1964.
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El lounge es un género de música, una variación, principalmente del jazz, que se conoce desde la década de 1950. Se caracterizaba por presentar ritmos sensuales y desprovistos de una instrumentación recargada. En la actualidad, el lounge es una variación del house que se diferencia del chillout principalmente porque que el lounge es sobre todo bailable y está compuesto con sucesiones armónicas de jazz. En la década de 1990 el lounge volvió por sus fueros debido al agotamiento de géneros como el trance o el tecno. La gente buscó refinar su oído con melodías de buen gusto, de sonidos agradables y atmosféricos. Ahora la tendencia esta revestida de sonidos electrónicos con sabor étnico provenientes del mundo árabe, de Brasil o de África. Las más famosas recopilaciones de Buddha Bar, Thievery Corporation, Henry Mancini, el Café del Mar o el Hotel Costes de Paris.
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Modern Creative es un género de la música jazz que combina géneros antiguos del jazz como el jazz rock, bebop y el free jazz con estilos musicales más contemporáneos como el funk, el pop y el rock. Algunos músicos son: David, Murray, Matthew Shipp, Muhal Richard Abrams, McCoy Tyner, Adbullah Ibrahim, Mal Waldron, Don Byron, Paul Bley, etc

Retratos de mujeres en el arte

2009-04-07T11:21:00.000-07:00

Las mujeres en el arte (Women in art), hecho por Philip Scott Johnson recorriendo 500 años de retratos femeninos en el arte occidental en un video.
De fondo, la Sarabanda nº1 en sol mayor para cello de Bach, interpretada por el gran Yo-Yo Ma.

Una para los que somos idiotas

2009-04-05T19:02:00.000-07:00

mirando al mundo y al arte con entusiasmo e inocencia

i ii iii

2009-04-04T13:37:00.000-07:00

Primera expedición culturosa de los perseguidores: Graciela Cassel propone viajes y objetos poéticos.
En una tarde un poco gris pero, como diría David Lynch, una temperatura de menos de 25ºC. Ideal para calzarse las botas y rumbear hacia Palermo, que no sólo es arte, también es calzas fluo.
Nos metimos en la galería despoblada con vistas a un hermoso patio con plantas; se encontraban ahí las valijas de colores y grandes piezas pintadas sobre papel de arroz, a las que les faltaba atún.
Supuestamente conteniendo imágenes de viajes y movimiento, como botes, escaleras, elementos del espacio exterior, lo que vimos en realidad fueron ventanas de iglesias, combinaciones a veces dispares de colores, pequeños rincones de diseños y texturas. Nos gustó el detalle de también pintar la parte exterior de las valijas expuestas en la vidriera de la galería.
Y mientras sacábamos las fotos que se ven arriba, entró un grupo de mujeres entre las que estaba la autora de las piezas.
(Se adjunta foto)(Somos los paparazzi de los artistas).
Salimos en busca de aire fresco y nos detuvimos a mirar el frente de la galería cuando notamos que una de las valijas expuestas estaba al revés. Qué conclusión sacamos? A veces es mejor cerrar algunas valijas.

Te gustaría ir?

2009-04-03T05:40:00.000-07:00

La artista argentina Graciela Cassel presenta en la Galería Thames una original colección de pinturas realizadas en el interior de maletas.

Al elegir la valija usada, clásica, descartada, en vez de utilizar el lienzo, Cassel ha creado obras que atraen a nivel de una poética del objeto. La valija, que sugiere lo fatalmente nómada, una posesión sospechosa sujeta al escrutinio del control fronterizo, un signo de desplazamiento y de viaje, de turismo y de libertad existencial, abunda también en asociaciones metafóricas con la diferencia sexual.

Ryan

2009-04-01T16:23:00.000-07:00

Hace un par de años encontré de casualidad este documental en I-SAT muy tarde a la noche y me dejó sin palabras de lo impactante que es, por el contenido y por la belleza y técnica de las imágenes. Cuenta la historia de un dibujante canadiense muy talentoso que trabajaba en los 60's y 70's, pero que terminó viviendo en la calle, alcohólico y medio ido de la realidad.
Cada vez que lo veo me emociona sobre todo el respeto y cariño con el que hicieron el documental.

Sólo lo encontré en inglés sin subtítulos, pero incluso sin entender bien lo que dicen, vale la pena ver cómo está hecho.

De Pomelo (I) Y.O.

2009-04-01T10:56:00.000-07:00

PIEZA DE CONCIERTO

Cuando se alza el telón ir a esconderse
y esperar hasta que todos lo abandonen
a uno.
Salir y tocar.

Y, si lo dijo Tito...

2009-04-01T02:19:00.000-07:00

"Las grandes ideas usualmente reciben oposiciones violentas de mentes mediocres"

Albert Einstein

Welcome to Fiyi

2009-04-01T01:24:00.000-07:00

Este blog (des) escribe solo aquello que identifique arte, arte x mismo arte, arte vivo, arte muerto, un pasaje a la galería de lo inalcanzable de este lado, darle la mano a lo que no vemos pero intuimos, cada episodio artístico que vivamos será documentado.

Llamaremos episodio artístico no sólo al espacio formal sino también a sus efectos secundarios.

Les damos la bienvenida a la vivencia del arte.